Commissionato a fotografare la città e i suoi dintorni, Gossage ha prodotto un altro sguardo scuro e poetico sul paesaggio americano. La natura comunale della commissione ha indotto Gossage ad inserire dei ritratti (presenza rara nei suoi lavori) che arricchiscono la sua esplorazione ermetica e soggettiva del paesaggio.

Nella mostra, realizzata presso il centro d’arte Rochester, è presente anche una serie di fotografie non incluse nel libro e una collezione di cartoline di Rochester che creano un’intrigante tensione con l’esplorazione soggettiva realizzata da Gossage.

 © John Gossage

 © John Gossage

Come nei suoi progetti precedenti, Gossage evidenzia gli elementi apparentemente insignificanti e trascurati del nostro ambiente. Al di là dell’indubbia qualità formale delle sue fotografie, senza la necessità di mostrare direttamente gli individui, Gossage riesce a far emergere una forte componente emozionale ed umana. Nelle sue fotografie, egli rivela sempre con ambiguità ed indeterminatezza le informazioni sul luogo, per consentire allo spettatore di deciderne autonomamente il significato. La sottigliezza di questo approccio è in netto contrasto con altre immagini di Rochester, come quelle delle cartoline, che mirano a dichiarare apertamente l’importanza di tutto ciò che viene presentato. 

 © John Gossage

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www.tamaralichtenstein.com

E’ nato in Danimarca nel 1976 ed è cresciuto a Brondby Strand, nei sobborghi a sud di Copenhagen.  
Trovo che il suo stile sia incisivo e mi ricorda quello di Anders Petersen e di Daido Moriyami.

www.auesobol.dk

In modo particolare, del suo lavoro mi hanno colpito due raccolte di ritratti, dove lo sguardo del fotografo non è rivolto alla specificità individuale del soggetto ma alla sua condizione sociale e culturale.

Il primo è intitolato Presumed Guildy ed è stato realizzato a New York nel 2005. Sono ritratti di persone, scattati per strada, che mostrano l’ansia e la sfiducia nei confronti dell’Altro, a suo dire, tipica degli americani di oggi. Bevis considera questa una delle conseguenze dell’11 settembre: un evento tragico e traumatico che ha cambiato il profondo sentimento di orgoglio che gli americani avevano verso il sistema di sicurezza e di giustizia statunitense, per cui ”le persone sono innocenti fino a quando non si dimostra la loro colpevolezza“. Oggi sono tutte persone tese e sospettose nei confronti dell’Altro, come se ne presumessero una generica forma di colpevolezza (fino a prova contraria).

Il secondo lavoro, intitolato Blinded by Fame, è una riflessione che il fotografo realizza visivamente sulla bellezza femminile, a suo dire, massificata e banalizzata dai media e dal consumismo. Secondo Bevis, i concorsi di bellezza hanno trasformato la bellezza femminile in un prodotto che viene consumato globalmente, al di là delle differenze culturali dei diversi paesi; concorsi che annullano anche le specificità estetiche delle singole persone. Il desiderio di rappresentare l’immagine della donna più bella, secondo Bevis, ha creato attraverso i media un ‘manifesto’ della bellezza femminile, che viene strumentalmente utilizzato nel mercato mondiale della moda e nella pubblicità. Queste fotografie, che Bevis ha realizzato a donne titolari della corona di ‘Miss’ nei loro paesi, sono pose con gli occhi chiusi, per esaltare l’idea e la visione di questa forma massificata di bellezza, che annulla l’identità culturale e la loro specifica bellezza.

www.bevisfusha.com

Sono stato colpito dalla capacità dell’autore di tradurre in immagine fotografica la forza della presenza del corpo delle persone e di saper porre l’attenzione sul significato che assume la fisicità rispetto all’intimità di ogni individuo ritratto.  

Ho sin da subito subito il fascino di queste fotografie ma ho voluto mettere del tempo tra questa forte emozione e l’analisi che mi accingo a proporvi, per essere sicuro di non aver subito un condizionamento legato alla situazione contingente.

Sono tornato a visionare le fotografie Shen Wei sul web, sul suo sito internet, dove sono presenti due lavori, uno dedicato al ritratto dal titolo ‘Almost Naked’ e uno dedicato al sentimento cinese.

Il primo dei due lavori, di cui vi mostro alcune immagini, intende indagare la natura umana, la forma dei sentimenti e delle emozioni che passano attraverso il corpo, il desiderio e l’istinto che si connota attraverso la sua identità e che, a mio parere, si distingue dal ‘nudo’ convenzionalmente rappresentato in fotografia.

Queste immagini, infatti, mostrano in modo netto il valore della distinzione tra ‘corpo’ e ‘nudo’; una distinzione che dal lato ‘corpo’ pone la garanzia dell’identità della persona nella sua unicità fisico-emozionale e dall’altro la genericità del ‘nudo’, una esteriorità assoggettata ad un contingente valore estetico ed emozionale.

Shen Wei vive e lavora come fotografo a New York City.

www.shenphoto.com

Il suo interesse è rivolto verso il vivere quotidiano e attraverso il suo lavoro indaga questo tema mostrandolo con lucidità e realismo.

La sua è una fotografia “semplice”, frutto di uno sguardo attento ma diretto, immediato; uno sguardo che non sembra condizionato dalla semantica della fotografia documentaria e dalla sua retorica, piuttosto dalla condivisione della realtà quotidiana a cui fa assumere la forma di una fotografia istantanea, nonostante gli studi che ha condotto testimonino una conoscenza approfonditta di tutta “l’arte della descrizione”.

www.stephenwaddell.com

Sono ritratti dell’infanzia che Colin cerca di cogliere da giornalista e fotografo senza esprimere la sua dimensione genitoriale.

Riflette attraverso Isabel sul ruolo di un genitore che intende educare la propria figlia ma che, al tempo stesso, le permette di esprimere in libertà atteggiamenti fisici ed emozionali che i vincoli provenienti dal mondo adulto censurerebbero.

L’ambivalenza fotografo/genitore ci permette di osservare la distinzione tra la volontà di promuovere la persona della bambina e la necessità di formarla, cioè tra l’amore genitoriale che riconosce l’autonomia e l’educazione protettiva che prende il via dalla presunzione di dipendenza della bambina.

www.colinpantall.com

La scelta di usufruire delle possibilità offerte dalla fotografia per riflettere su di sé e per far riflettere sulle relazioni esistenti tra la propria persona e una certa ‘cultura’ che vincola l’identità pubblica della medesima ad un rapporto obbligato con la dimensione estetica è il motivo per cui mi sono fatto coinvolgere da questo lavoro fotografico realizzato dall’americana Jen Davis. Un lavoro che ritengo abbia saputo coniugare in una sintesi felice il valore estetico delle immagini e la pregnanza del loro significato.

Un lavoro della durata di otto anni in cui l’autrice si è auto-ritratta fotograficamente insieme alle incertezze sulla sua immagine del corpo e alla forma delle relazioni che questa immagine ha prodotto nella sua vita sociale.

La fotografia, in questo caso, è stato il mezzo di comunicazione utilizzato per raccontare la sua storia e al tempo stesso lo strumento per analizzare la propria vita e la forma del rapporto che questa ha prodotto tra la sua dimensione psichica individuale e le opinioni condizionanti espresse dalla società in cui viviamo. Una società che determina la bellezza basandosi solo su dei modelli generalizzati che riducono la persona al suo aspetto fisico, con cui l’autrice si trova a dover fare i conti.

Attraverso queste fotografie, Jen Davis intende interrogarsi ed interrogare i fruitori delle sue fotografie sulla bellezza, sull’immagine del corpo, sull’identità personale e formula un’osservazione mirata sulla sua storia. Cerca di creare un rapporto di continuità tra sé e lo sguardo su di sé attraverso la fotocamera e trasforma l’atto di fotografare in una performance sul vivere quotidiano.

Molte delle foto sono state realizzate in casa, rivelando aspetti di sé anche molto privati.

Un lavoro in parte basato su esperienze personali ricostruite in fotografia e in parte frutto di fantasia, come quando immagina rapporti fisici con dei partner che possano garantirle una vita intima, amore e desiderio.

http://jendavisphoto.com

Mi stavo interessando alla cultura dei bambini e il modo in cui questi utilizzano la macchina fotografica mi sembrò essere simile a quello di certi fotografi: Juergen Teller, Richard Billinghaqm, Nan Goldin, Ashley Mitchell, Jessica Craig-Martin e altri, tra cui anche Marianne Mueller.

Le assonanze che riscontrai tra l’idea di fotografia di questa autrice e il modo in cui fotografano i bambini era proprio nel modo di utilizzare la fotocamera: come fosse un prolungamento dell’occhio, per raccogliere il “mondo” e visualizzare esperienze.

La scelta dell’immagine e la modalità dello scatto viene guidata dallo stupore e dall’interesse verso ciò che ha a che fare con il quotidiano, con il “mondo vicino”, quello che ci si trova di fronte, in modo diretto, senza alcuna mediazione che presupponga una competenza tecnologica.

La fotografia di Marianne Mueller, perlopiù, sembra produrre stupore; per come l’occhio della sua fotocamera sa trasformare il mondo in un’immagine e per come il mondo appare in modo singolare nelle sue immagini. Una fotocamera che diventa lo strumento che ristabilisce dignità agli aspetti più insignificante di questo mondo. Come nelle fotografie realizzate dai bambini, questa fotocamera agisce da strumento magico che è in continuità con il fotografo e parla direttamente. In questo modo diventa uno strumento che è in grado di restituire il mondo e il suo incanto.

La Mueller, come i bambini, attribuisce ad ogni momento della giornata e della vita, anche qualsiasi, il potenziale di una rivelazione che coglie attraverso la fotocamera; nello specifico, una 35mm, facile da usare e poco appariscente, che permette di preservare impressioni effimere che poi assembla. Un mezzo per la memoria e non un dispositivo ad alta tecnologia per produrre immagini perfette (che, ad esempio, i bambini non sarebbero in grado di utilizzare).

Questo spiega perché la fotocamera 35mm (ma potrebbe essere una usa e getta) costituisce il punto focale della sua attività artistica. Con lei, la fotografia è essenzialmente una dichiarazione d’amore per una persona, piuttosto che per un fiore, un angolo di strada o il mondo intero, che ama osservare e mettere in relazione.

Lei non spiega e non commenta la realtà che fotografa, la mostra semplicemente. Sembra non avere un controllo completo e, anche qui, come i bambini, trova non tanto ciò che cerca ma per il fatto che cerca: i momenti che stanno accadendo e gli effetti delle loro possibilità vengono visualizzati nella fotografie come una manifestazione.

Un approccio libero alla fotografia che è per lei una compagna costante e che le permette di produrre immagini senza aver stabilito a priori l’interesse. Il processo che dalla raccolta arriva alla valutazione scatta solo dopo e la conduce ad un ordine del mondo, quello esistente nelle sue fotografie. Parliamo di un’opera che si afferma e si sostanzia attraverso la sequenza fotografica; un linguaggio che trasforma le singole immagini prodotte, combinandole insieme in forma di libro.

www.mariannemueller.ch